CASE STUDY
Nhow Amsterdam Rai Hotel
1. RESUMEN EJECUTIVO
El proyecto para Nhow Amsterdam Rai Hotel consistió en la creación de una serie de obras de arte que tienen la particularidad de fusionarse con el interiorismo y la arquitectura del hotel.
Esta serie de obras giran en torno a un concepto global, a un significado, que define la propia identidad creativa de este hotel y de su interiorismo: la mezcla de culturas del mundo.
La combinación de mi arte disruptivo, fusionado con un interiorismo ecléctico y rompedor – llevado a cabo por el estudio GLG Arquitectos – y una arquitectura innovadora – creada por el icónico arquitecto holandés Reinier de Graaf – crean un contexto en el que el hotel se convierte en una experiencia inmersiva, un entorno envolvente en el que el visitante transita a través de un storytelling pertrechado a través de espacios físicos.
Mi aportación a este proyecto es clave en el sentido de que mi arte es el que une el interiorismo y la arquitectura de los espacios, creando el vínculo visual necesario para que el concepto sobre el cual gira este hotel, la mezcla de culturas, tome forma y sea reconocible por el visitante.
2. INTRODUCCIÓN AL PROYECTO
Contexto del hotel, ubicación en Ámsterdam:
Nhow Amsterdam Rai es un hotel de categoría 4 estrellas de la cadena NH Hotel Group (ahora parte de Minor Hotels) situado en el área RAI de la ciudad de Ámsterdam, en Holanda. El Amsterdam RAI es el centro de congresos más importante de los Países Bajos y aloja la mayoría de las ferias internacionales, eventos y exposiciones que se realizan en la ciudad. Esta zona de la ciudad, aunque se sitúa geográficamente dentro del perímetro céntrico, se encuentra fuera del “downtown” turístico tradicional, centrado en el barrio rojo, los coffee shops y los canales. RAI es una sofisticada área de negocios con un perfil socioeconómico alto.
Descripción general del encargo artístico:
Este proyecto fue el primero que desarrollé para los hoteles Nhow, el inicio de una trayectoria de continuas colaboraciones a lo largo de los años transformando hoteles de diferentes cadenas del grupo multinacional Minor Hotels.
Llevado a cabo a principios del año 2018, este proyecto se inicia con la necesidad del estudio madrileño GLG Arquitectos, a quienes NH Hotels les había encargado llevar a cabo el desarrollo del interiorismo del hotel, de contar con un artista y diseñador que colaborara aportando una tercera dimensión al proyecto: arte disruptivo que se fusionara con su propuesta de diseño de interiores, creando un contexto innovador en el que el interiorismo deja de limitarse al aspecto tradicionalmente decorativo y se adentra en el terreno del arte inmersivo, transformando los espacios arquitectónicos del hotel en una suerte de “instalaciones artísticas” de las que el visitante se siente parte como nunca antes lo había hecho: no solo las visita. sino que, durante unos días, vive en ellas.
A partir del concepto creativo sobre el cual giraba el hotel, la mezcla de culturas del mundo, NH Hotels nos encarga desarrollar una propuesta disruptiva, alejada de los convencionalismos y de las visiones tradicionales.
El objetivo del proyecto, a una escala creativa, era conseguir que la propuesta artística se alineara con el ADN de la marca Nhow: irreverencia, disrupción, surrealismo, arte pop, arte urbano, eclecticismo, caos… son algunas de las características principales que se asocian a la marca, y había que desarrollar una experiencia visual que tuviera en cuenta estos factores para que el resultado no solo fuera sorprendente y único, sino reconocible como parte del icónico universo Nhow.
3. OBJETIVOS DEL PROYECTO
El objetivo principal del proyecto fue desarrollar el concepto “La mezcla de culturas del mundo”, una idea que a priori estaba sujeta a múltiples interpretaciones y posibles acercamientos, a través de una experiencia visual que estuviera compuesta de arte e interiorismo disruptivos. Las obras de arte y el diseño de interiores debían fusionarse de forma natural, sin establecer barreras visuales reconocibles entre una y otro aspecto, de tal forma que el visitante se sintiera en un entorno envolvente en el que o bien todo le pareciera una gigantesca obra de arte o bien todo le pareciera parte de un interiorismo muy creativo, dependiendo de cómo entendiera lo que estaba experimentando. Esta propuesta debía, además, adaptarse a la singular arquitectura del edificio y la idiosincrasia de sus espacios.
Respecto a mi trabajo artístico, se definieron como objetivos una serie de culturas del mundo a partir de las cuales inspiraría mis obras: Japón y México, como culturas con identidades e iconos visualmente antagonistas, fueron las elegidas para crear la mezcla de culturas en el arte en los muros de áreas públicas del hotel. África, con su riqueza visual, se incorporó a la mezcla de elementos japoneses y mexicanos para la creación de arte para uno de los suelos. Para las 650 habitaciones, se establecieron 6 visiones culturales icónicas ( japonesa, escocesa, holandesa, india, africana y andina) a partir de las cuales recrear una visión artística de cada una de ellas que ayudar a enriquecer el concepto global de la mezcla de culturas del mundo.
4. CONCEPTO ARTÍSTICO GLOBAL
Aunque ya he definido cómo el objetivo conceptual del proyecto era elaborar una visión única de la mezcla de culturas del mundo, en este área profundizaré sobre el concepto del proyecto desde un plano puramente artístico. Ya he mencionado que uno de los objetivos visuales de este proyecto era alinear mi arte con el ADN disruptivo e irreverente de la marca Nhow, no obstante, la base sobre la que se sustenta Nhow es la idea de que cada hotel debe ser completamente único, con una personalidad propia tan distintiva que no tenga ningún elemento en común con el resto de los hoteles de la cadena.
Partiendo de la premisa anterior, tuve la oportunidad de desarrollar mi arte gozando de una amplia libertad artística, pudiendo adentrarme en terrenos creativos arriesgados, llevando el concepto inicial hacia interpretaciones transgresoras y, en definitiva, desarrollando una visión “out of the box” que evoluciona a través de cada una de las obras que van vistiendo los espacios arquitectónicos del hotel.
LA MEZCLA DE CULTURAS DEL MUNDO
El concepto artístico global, la mezcla de culturas del mundo, se origina en el propio contexto en el que se enmarca el hotel, la ciudad de Ámsterdam, un centro neurálgico global en el que se mezclan culturas e identidades a través de un caos de visiones estéticas, símbolos e iconografías. El mágico contraste que surge a partir del choque entre identidades culturales visualmente antagonistas es parte integral del concepto artístico de este proyecto: la idea que subyace no es desarrollar una visión en la que cada una de las culturas del mundo se muestra de forma aislada, sino la de mostrar cómo la mezcla de todas ellas enriquece al ser humano, a la cultura y al mundo en general.
El choque entre identidades culturales ha sido históricamente, y sigue siendo a día de hoy, motivo de interminables conflictos. Por ese motivo, el concepto integrador de este proyecto vertebra su fuerza en una mezcolanza simbólica e identitaria absoluta, exenta de prejuicios, despojada del miedo y de la necesidad de evitar referencias o elementos específicos. Con la idea de la unión y la libertad como objetivo artístico final, el recorrido a través del arte creado para este hotel intenta demostrar cómo las culturas del mundo no pierden parte de su identidad por el hecho de mezclarse con otras. El resultado de la imprevisible mezcla de símbolos e identidades antagonistas crea una belleza sorprendente y cautivadora que enriquece y humaniza.
Como seres humanos identitarios, tendemos a sacralizar y proteger elementos simbólicos culturales como parte de una idealización de prevalencia o supervivencia de nuestra cultura, pero la fusión cultural es parte de la evolución, es un proceso transformador inevitable e ineludible, resultante de la época actual de interacción global en la que vivimos.
Como artista, este proyecto me ha dado la oportunidad de desarrollar el concepto transformador de la mezcla cultural global a través de mi propio prisma visual, y de aportar una visión personal a cómo la mezcla de identidades genera nuevos paradigmas estéticos.
5. PROCESO CREATIVO Y METODOLOGÍA
La idiosincrasia de crear arte como parte de un proyecto tan ambicioso y complejo como es la construcción de un gran hotel implica que el proceso y la metodología está sujeta a factores externos de importante calado que van más allá de las habituales fechas de entrega a las que todo artista y diseñador se enfrenta en cada trabajo.
Como parte de un proceso más amplio, en el que el equipo de interiorismo y los arquitectos crean un contexto sobre el cual se fusiona mi arte, a lo largo del proyecto surgen inevitablemente modificaciones de última hora tanto en el contexto arquitectónico como en el relacionado con el diseño de interiores. En un proyecto de alta complejidad como este, las fechas de entrega son dinámicas y el artista debe mostrar una gran flexibilidad, una capacidad natural de reacción a los imprevistos, y una rapidez en el desarrollo creativo y técnico del trabajo que debe armonizarse con el perfeccionismo y la excelencia en los resultados.
El proceso creativo es, por lo ya comentado anteriormente, dinámico y sujeto a factores externos.
A partir del concepto global – la mezcla de culturas del mundo – que nos proporciona NH Hotels, desarrollo, en colaboración con GLG Arquitectos, la conceptualización específica de cada obra de arte que voy a desarrollar. Debido a que, como ya he señalado anteriormente, mi trabajo artístico se fusiona de forma natural con el diseño de interiores de cada espacio del hotel, tenía sentido desarrollar el concepto de cada pieza de forma sincronizada con la conceptualización del interiorismo del espacio en el que estaría contextualizada.
+ Desarrollo del concepto artístico global: Búsqueda de una materialización del concepto creativo que sirva como base para el desarrollo de las obras.
+ Definición de la paleta de colores y estilo visual: Definición de colores y estilos apropiados a cada pieza del proyecto, buscando una armonía y relación entre todas ellas que aporte coherencia al proyecto.
+ Creación de moodboards y bocetos iniciales: Trabajo conceptual en el que se comienzan a materializar sobre un lienzo las ideas que se han definido.
Una vez se han definido las características creativas y técnicas con las que se desarrollarán las piezas, se ha encontrado inspiración inicial, y se ha formulado una conceptualización, se entra en el proceso de preparación de propuestas preliminares. Este trabajo, desarrollado aun con la libertad de elaborar un concepto genuinamente basado en nuestras interpretaciones del concepto propuesto por el cliente, se lleva a cabo derrochando grandes dosis de creatividad e inspiración.
+ Mapeo de las áreas del hotel que requieren intervención artística: Analicé cada una de las áreas en las que era necesario intervenir y valoramos las posibles dificultades o retos a los que había que enfrentarse.
+ Selección preliminar de técnicas y materiales: Analizé qué técnica podría encajar mejor en cada una de las obras, teniendo en cuenta los materiales con los que se materializaría la misma en el espacio físico al que estaba destinada.
+ Elaboración de propuestas iniciales para cada espacio: Desarrollé las propuestas creativa.
La presentación de propuestas es un momento clave del proceso, a partir del resultado recopilado en esta etapa, todo el trabajo realizado anteriormente cobrará sentido o bien deberá reformularse.
+ Presentación de conceptos y diseños preliminares al equipo del hotel: Se presentan las propuestas visuales realizadas, junto a un argumentario sobre su significado.
+ Recopilación y análisis del feedback recibido: Se analizan los comentarios del cliente, su visión sobre lo que se ha presentado, sus aportaciones de cara alinear las propuestas con los objetivos del proyecto y sus solicitudes de revisión o refinamiento de obras.
+ Ajustes y refinamiento de las propuestas: Se reajustan los aspectos que no estaban completamente alineados con la visión y objetivos del cliente, teniendo como referencia su feedback e indicaciones.
Una vez se han llevado a cabo las rondas de refinamiento de las piezas. Se entra en una fase de desarrollo de prototipos que sirva como trabajo preliminar al desarrollo de las piezas definitivas. En esta fase se asegura la idoneidad de tamaños, génicas y materiales de cada a trasladar las obras digitales al contexto físico.
+ Creación de muestras y prototipos a escala
+ Pruebas de materiales y técnicas
+ Evaluación de la durabilidad y mantenimiento
El desarrollo de las piezas finales incluye todos los detalles técnicos necesarios para la producción y presenta el acabado final de cada obra.
+ Elaboración de diseños finales para cada obra.
+ Creación de un memorandum de cada pieza y especificaciones técnicas.
+ Coordinación con el equipo de interiorismo para integración.
La idiosincrasia de mi trabajo, desarrollado con herramientas digitales pero materializado en contextos físicos, en espacios arquitectónicos, implica que, tras la aprobación final de mis obras de arte, se inicie un laborioso proceso de producción e instalación. Este trabajo es llevado a cabo por un proveedor externo pero siempre superviso el resultado para asegurarme de que las obras han sido impresas y montadas de forma correcta, respetando las necesidades y objetivos creativos de cada una de ellas.
+ Planificación logística para la instalación de las obras.
+ Coordinación con el equipo de construcción e interiorismo.
+ Supervisión del proceso de montaje.
Finalmente realizo un reportaje fotográfico (llevado a cabo por un fotógrafo profesional que colabora conmigo) con el que documentar el trabajo realizado.
6. DESGLOSE DE OBRAS POR ÁREAS
HABITACIONES
ELEMENTOS PARA EAST ROOMS
1
El lazo, a un tamaño fuera de contexto y con una paleta cromática alejada de los predominantes tonos cálidos de la obra, añade un complemento a la figura que sirve para exhalar el estili de Arte Pop predominante en la propuesta.
2
El abanico Pai-Pai añade detalle oeriental exótico y sofisticado a la figura.
3
El maquillaje de la Geisha, con un aire disruptivo y Pop, pretende romper con la tradición de esta figura, asociada tradicionalmente a la sumisión de la mujer al hombre, y crear una representación reformulsda en una mujer moderna, libre e independiente
4
La vestimenta se enmarca en un tono más tradicional, para equilibrar los elementos de Arre Pop y disruptivos con áreas en las que predomine la identidad cultural, y establece un diálogo visual entre pasado y presente.
5
El patrón que recubre el fondo del cabecero “invade” parte de la figura. Esta “contaminación” del retrato central por parte del patrón del fondo es una de las señas de identidad de esta serie de obras para las habitaciones, y expresa la simbólica unión entre arte e interiorismo que caracteriza este proyecto a través de la fusión entre un patrón repetitivo (que representaría el interiorismo) con la figura central (que representaría el arte). Esta fusión entre ambas partes de la propuesta está presente en las 6 obras creadas para los 6 tipos de habitación. En cada una de ellas abordada de forma diferente.
6
El patrón de fondo es probablemente uno de los más icónicos relacionados con la cultura e identidad visual de Japón. Reconocible a primera vista. Los patrones de cada tipo de habitaciones pretenden establecer un primer contacto visual con el visitante a través del cual este pueda percibir de forma inmediata la cultura a la que está accediendo en la propuesta.
ELEMENTOS PARA NORTHWEST ROOMS
1
El monóculo y la barba son los principales elementos que dotan a la figura de un estilo Hipster. Estas áreas, desarrolladas en un estilo muy “collage”, ya que deliberadamente no se integran con el resto de elementos con naturalidad sino que se superponen con fuerza y expresividad, establecen la conexión del personaje con el presente, con la modernidad, en contraposición a los elementos más tradicionales que completan su estética.
2
La mezcla de patrones en la capa dota de un elemento tradicional que ha sido reformulado a través del collage para evolucionarlo hacia un tono más disruptivo y moderno, que conecta con los elementos de tono Hipster en el rostro del personaje. El conjunto de esta capa y los elementos del rostro (monóculo y barba) crean la estética Gentleman-Hispter del personaje. Esa fascinante combinación entre lo más conservador y lo más disruptivo de la cultura “British”.
3
El Kilt, la tradicional falta escocesa, y el Glengarry, la boina tradicional, se muestran combinadas en un mismo patrón de Tartán para crear una estética de armonía y elegancia que, unida a los elementos más modernos del personaje, establezcan un conjunto equilibrado entre el pasado y el presente.
4
La camisa blanca juega un papel estético relevante en elm conjunto de la vestimenta, añadiendo un necesario toque de serenidad visual que calme el efecto visualmente abrumador de la variedad de patrones de Tartán que salpican diferentes áreas del personaje.
5
El patrón seleccionado para el cabecero de fondo, que en este caso “invade” al personaje de forma muy sutil, a través de una inclusión en la camisa blanca en forma de textura. Este patrón, tanto a través de su paleta de colores como de las propias siluetas de sus floreadas figuras, evoca la estética “British” más elegante, tradicional y ligada a la cultura popular. Arte e interiorismo se unen, al igual que en resto de habitaciones, captando lo mejor del pasado a través del patrón, el elemento que representa el interiorismo y el presente, a través del personaje, el elemento que representan el arte. El conjunto, la combinación de ambos elementos, construyen la propuesta final.
6
Los patrones de Tartán son probablemente el elemento más icónico y reconocible de la cultura escocesa. Su riqueza cromática y sus diferentes variaciones en el tamaño de los cuadrados o rectángulos que generan cada patrón son probablemente los dos elementos que definen las diferencias entre cada una de las variantes de este elemento.visitante a través del cual este pueda percibir de forma inmediata la cultura a la que está accediendo en la propuesta.
ELEMENTOS PARA NORTH ROOMS
1
El tocado elaborado, una versión estilizada del tradicional gorro holandés, se eleva a un estatus casi escultórico. Su forma exagerada y la “invasión” de un patrón sobre el mismo, dotan de estética de arte pop a esta prenda icónica e identitaria de la cultura holandesa.
2
La figura femenina central encarna una fascinante fusión de épocas. Su vestimenta “klederdracht” (indumentaria típica de Holanda) que mezcla elementos históricos con toques actuales, es un elemento clave en la narrativa visual de la obra. El vestido o blusa de color claro con cuello alto y volantes remite a estilos más tradicionales, mientras que la falda con estampado floral introduce un elemento más moderno y vivaz.
3
La falda, que normalmente sería de colores sólidos en el klederdracht tradicional, aquí se presenta con un estampado floral vibrante. Este patrón, reminiscente de los famosos campos de tulipanes holandeses, fusiona un elemento cultural icónico con una estética pop art, creando un diálogo visual entre la tradición agrícola y la expresión artística moderna.
4
La pose confiada de la figura, con las manos en la cintura, reinterpreta la imagen estereotípica de la mujer holandesa tradicional. Esta postura desafiante, en contraste con la vestimenta folclórica, crea una tensión narrativa que cuestiona los roles de género y la sexpectativas culturales.
5
El patrón geométrico del fondo, con sus formas de copo de nieve combinadas a diferentes dimensiones, evoca una estética genuinamnet nórdica y además sirve como contraste perfecto para los elementos más modernos de la composición. Este diseño, en tonos beige, gris y rojo tenue, crea un marco visual que resalta la figura central, estableciendo una tensión visual entre lo clásico y lo contemporáneo.
ELEMENTOS PARA SOUTH ROOMS
1
El turbante tradicional africano “invadido” por el geométrico patrón del cabecero de fondo, conecta pasado y presente a través del combinación de una geometría que, si bien está ligada a la tradición de los patrones africanos, se muestra implementada en la figura a través de técnicas de collage que la dotan de un aire más disruptivo y contemporáneo. De esta forma se armoniza esa mezcla entre la identidad cultural tradicional y la disrupción mas actual, el aspecto común que une a todas las propuestas de los 6 modelos de habitaciones
2
El patrón triangular, omnipresente en esta propuesta y que vertebra la estética y la identidad visual del personaje, penetra en su rostro en forma de sutiles elementos pintados en mejillas y bajo los labios. Estás pinturas en rostro y cuello, identitarias de diferentes culturas africanas, añaden un elemento cultural al personaje, dotando de una fascinante e icónica tradición a sus facciones del rostro qye también evocan una visión moderna, conectada con el Arre Pop y el arte del collage.
3
El área dedicada a la bisutería, llena de collares africanos, grandes pendientes y pulseras, enriquece la paleta cromática del personaje con salpicaduras de tonos azulados que contrastan con los predominantes colores tostados, marrones y blancos de su vestimenta. Además, añade exotismo y belleza a un conjunto que ya de por sí seduce visualmente te con su abrumadora conjunción de elementos, formas y colores.
4
El vestido es el elemento que, unido al turbante, crea el conjunto visual que dota de fuerza y expresión a este personaje. Al igual que en el resto de figuras, estas vestimentas son “invadidas” por el patrón de fondo. La mezcla de la geometría triangula de este patrón con los matices del vestido genera una inesperada belleza a través de la improbable mezcla de caos visual y armonía estética.
5
El patrón geométrico del fondo, con sus formas de copo de nieve combinadas a diferentes dimensiones, evoca una estética genuinamnet nórdica y además sirve como contraste perfecto para los elementos más modernos de la composición. Este diseño, en tonos beige, gris y rojo tenue, crea un marco visual que resalta la figura central, estableciendo una tensión visual entre lo clásico y lo contemporáneo.
ELEMENTOS PARA SOUTHEAST ROOMS
1
El cabello largo recogido en un moño alto, típico de los sadhus, se presenta aquí como un elemento escultórico. La vara roja que lo atraviesa añade un toque de color vibrante, convirtiéndolo en un punto focal que atrae la mirada y simboliza la dedicación ascética. Este peinado, tradicionalmente asociado con la renuncia a las vanidades mundanas, adquiere en este contexto un carácter casi icónico, representando la persistencia de las tradiciones en un mundo cambiante.
2
La túnica o dhoti que viste el sadhu es un elemento clave en la composición. Sus patrones intrincados y colores vibrantes, que mezclan tonos pastel con detalles dorados, evocan la rica tradición textil india. El tratamiento visual de la prenda, con sus diseños geométricos y florales entrelazados, crea un efecto casi caleidoscópico, fusionando la artesanía tradicional con una estética casi psicodélica que recuerda al art pop de los años 60.
3
La larga barba blanca del sadhu, símbolo de sabiduría y experiencia en la cultura hindú, contrasta dramáticamente con las marcas de color en su rostro. Estas marcas, probablemente representando cenizas sagradas o tilak, son reimaginadas aquí con un tratamiento gráfico audaz que recuerda al body art contemporáneo, creando una fusión intrigante entre lo sagrado y lo vanguardista.
4
El cuenco dorado que sostiene en una mano, tradicionalmente usado para recolectar limosnas, se transforma en un elemento de diseño que brilla contra el fondo geométrico. Su presencia no solo evoca la práctica de la mendicidad sagrada, sino que también sirve como un punto de conexión visual con los detalles dorados del fondo, unificando la composición.
5
El gesto de la mano levantada, reminiscente de un mudra o gesto simbólico en la tradición hindú, adquiere una cualidad casi performativa en este contexto. Este gesto, capturado en un momento de movimiento, añade una dimensión dinámica a la imagen estática, sugiriendo la naturaleza viva y en evolución de las tradiciones espirituales.
6
El fondo geométrico, con sus patrones islámicos entrelazados en verde y negro salpicados de destellos dorados y naranjas, crea un contraste fascinante con la figura del sadhu. Este diseño, que evoca la arquitectura mogol y la influencia islámica en la India, establece un diálogo visual entre diferentes tradiciones culturales del subcontinente, subrayando la rica diversidad del patrimonio indio.
ELEMENTOS PARA SOUTHWEST ROOMS
1
El poncho multicolor, pieza icónica de la vestimenta andina, se presenta con una vivacidad cromática que evoca los textiles tradicionales de la región. Los patrones geométricos y las franjas de colores vibrantes en azul, rojo y otros tonos no solo representan la rica tradición textil, sino que también crean un efecto visual casi hipnótico, reminiscente del Pop art. Esta prenda, símbolo de identidad y protección en la cultura andina, adquiere aquí un carácter casi pictórico, transformándose en un lienzo viviente.
2
El instrumento musical que sostiene la figura, (una zampoña o siku), añade una dimensión sonora implícita a la obra visual. Este instrumento de viento, fundamental en la música andina, se convierte en un símbolo de la expresión cultural y establece una conexión espiritual con las tradiciones ancestrales.
3
La pose serena y la mirada directa del sujeto transmiten una sensación de orgullo y conexión profunda con su herencia cultural. Esta actitud, combinada con la riqueza visual de la indumentaria, crea una narrativa sobre la persistencia y adaptación de las tradiciones andinas en un contexto globalizado.
4
El fondo geométrico, con sus patrones repetitivos en tonos rojizos y beige, evoca los diseños textiles andinos tradicionales. Sin embargo, su tratamiento a gran escala y la repetición uniforme crean un contraste intrigante con la figura central, sugiriendo una tensión entre la tradición y la modernidad, entre lo artesanal y lo industrial.
5
El «Chullo», prenda tradicional de la cultura andina que suele estar tejido a mano, generalmente con lana de alpaca o llama, añade un elemento de identidad cultural adicional al área de la cabeza complementando el sombrero y añadiendo patrones con una paleta de color que que conecta con la de la vestimenta a través de una armonía visual de tonos complementaria.
LOBBY DE ENTRADA
COLUMNA
El elemento focal de esta obra es la columna central, transformada en un lienzo tridimensional que evoca la fusión entre el arte tradicional japonés y la visión geométrica de M.C. Escher, recontextualizada en un espacio moderno y vibrante.
La columna, pintada en un azul intenso, sirve como un fondo acuático para los elementos centrales: las carpas koi. Estas figuras, símbolo de buena fortuna y perseverancia en la cultura japonesa, están representadas en un vibrante color rojo-naranja que contrasta dramáticamente con el fondo azul. La disposición de las carpas, nadando hacia la primera planta del hotel se inspira en los patrones repetitivos y las transformaciones graduales características de la obra de Escher, uno de los artistas que me han influenciado mi obra, creando una ilusión de movimiento continuo y fluido alrededor de la columna.
Los patrones de olas estilizadas, dibujados en blanco sobre el fondo azul, evocan las representaciones tradicionales del agua en el arte japonés, particularmente en las estampas ukiyo-e. Sin embargo, su tratamiento gráfico y la forma en que interactúan con las carpas sugieren una reinterpretación contemporánea, fusionando lo tradicional con lo moderno.
La influencia de Escher se manifiesta no solo en la disposición de las carpas, sino también en cómo la obra juega con la percepción del espacio. La columna, al ser un objeto tridimensional tratado como un lienzo bidimensional, crea una tensión visual entre lo plano y lo volumétrico, un tema recurrente en la obra de Escher.
La base de la columna presenta un diseño floral que se expande en el suelo, creando un efecto de transición entre la columna y el espacio circundante. Este patrón, con sus formas geométricas y colores vibrantes recuerda los Mandalas, adaptado a una paleta de colores que armoniza con el resto del espacio, creando una continuidad visual que unifica la instalación.
MOANA BAR
ARTE PARA PARED
LA MEZCLA DE LAS CULTURAS JAPONESA Y MEXICANA
Esta obra de arte para pared expresa como propuesta central la inesperada fusión de dos culturas tan diferentes como son la mexicana y la japonesa, a través de la mezcla de elementos icónicos y símbolos visuales de la identidad de ambas culturas.
FIGURAS CENTRALES
En el centro, se destacan dos grandes calaveras decoradas, reminiscentes de las icónicas Catrinas mexicanas, a las que trasnsformo con un giro distintivo: la calavera de la izquierda, en tonos amarillos vibrantes, exhibe diseños de flores japonesas alrededor de los ojos y dientes creando la fusión visual entre Japón y México. A su derecha, otra Catrina ostenta un peinado voluminoso al estilo tradicional de las geishas japonesas. Esta calavera incorpora una estilización del mitsudomoe (三つ巴), (que es un símbolo antiguo japonés) en los ojos y un pequeño gato afortunado (maneki-neko) en la frente, mezclando aún más los elementos culturales.
ELEMENTOS DE FONDO
El fondo está ricamente decorado con una profusión de flores, predominantemente en tonos azules y rosados, que evocan tanto las flores de cerezo japonesas como las coloridas decoraciones florales mexicanas. Entretejidos entre las flores, se pueden observar rostros fantasmales pálidos que recuerdan a los Yurei del folclore japonés.
Dispersos por la composición hay varios elementos adicionales: máscaras estilizadas, figuras de animales (como conejos y gatos), y patrones decorativos que fusionan motivos de ambas culturas. La paleta de colores es vibrante y diversa, abarcando desde azules profundos y rosas suaves hasta amarillos brillantes y blancos puros.
En primer plano, la obra se complementa con el interiorismo del espacio: sofás oscuros y sillones rosa pálido, creando un interesante contraste con la exuberancia del arte de pared.
Esta pieza ejemplifica una audaz mezcla cultural, entrelazando armoniosamente elementos tradicionales de Japón y México en una expresión artística única y visualmente impactante.
MOANA BAR
ARTE PARA SUELO
Esta gran obra visual que recubre el suelo del Moana Bar es una continuación del arte panorámico desarrollado en la pared. Unidos tanto materialmente (no hay barreras físicas entre ambas obras) como conceptualmente, ambas piezas unidas forman una gran composición inmersiva, que envuelve al visitante en un entorno visual ilimitado.
La unión de esta obra con la composición de la pared crean un entorno visual envolvente que transporta al espectador a un contexto onírico en el que puede sentirse flotando, habitando una dimensión de la siente formar parte. La magia de la unión de este suelo y la pared crean una propuesta única para este espacio que convierte el Moana Bar en una experiencia que trasciende la mezcla de arte, diseño de interiores y arquitectura. Un universo visual habitable que encierra significado y que establece un diálogo interior con el espectador.
Esta composición para el suelo es una vibrante fusión de elementos culturales que continúa con la propuesta central de la inesperada fusión de dos culturas tan diferentes como son la mexicana y la japonesa, a través de la mezcla de elementos icónicos y símbolos visuales de la identidad de ambas culturas que crean un paisaje colorido y simbólico que parece, a simple vista, un «lago» de elementos sobre el que se puede flotar o levitar.
BREAKFAST LOUNGE
GRAN ARTE CURVADO
La composición creada para Breakfast lounge, ubicado en la planta 17, es una de las obras de arte más destacables de este proyecto. Un espectáculo visual en foma de pared curvada en la que mi arte fue impreso sobre material textil.
Inspirándome en el concepto base de fusión de culturas globales, elaboré una obra de expresiva obra que mezcla el arte pop y el arte kitsch en un tono surrealista lleno de energía y movimiento. En ella, un tumultuoso caleidoscopio de personajes y elementos emblemáticos de las culturas mexicana, andina, escocesa, inglesa, holandesa e india convergen y flotan libremente, casi como si estuvieran atrapados en una danza etérea, a través de la amplia superficie curvada que les sirve de lienzo.
Esta composición es la más visualmente caótica del proyecto, también es la que incorpora la mayor mezcla de culturas, y la que ofrece la experiencia más cercana a los ingredientes estilísticos de Nhow: el arte pop y kitsch más arrollador.
FUSIÓN CON EL INTERIORISMO
Esta obra, dividida físicamente en dos paredes curvadas de superficie textil, se contextualiza en un entorno de «feeling nocturno/ after hours», con una iluminación tenue que potencia la sensación enigmática de la obra, ya que el visitante debe agudizar su percepeción visual para poder desentrañar fusión caótica de elementos interconectados y fusionados a través de los patrones de tulipanes gigantes.
Esta composición para el suelo es una vibrante fusión de elementos culturales que continúa con la propuesta central de la inesperada fusión de dos culturas tan diferentes como son la mexicana y la japonesa, a través de la mezcla de elementos icónicos y símbolos visuales de la identidad de ambas culturas que crean un paisaje colorido y simbólico que parece, a simple vista, un «lago» de elementos sobre el que se puede flotar o levitar.
ELEMENTOS SIMBÓLICOS DE LA COMPOSICIÓN
1. MÉXICO
2. INDIA
3. GRAN BRETAÑA
1. MAYA
2. NORTE EUROPA
3. HOLANDA
PRIMERA PLANTA
ARTE PARA PARED
PRIMERA PLANTA
ARTE PARA SUELO
Esta gran obra visual que recubre el suelo del hall de la primera planta es una continuación del arte panorámico desarrollado en la pared. Unidos tanto materialmente (no hay barreras físicas entre ambas obras) como conceptualmente, ambas piezas unidas forman una gran composición inmersiva, que envuelve al visitante en un entorno visual ilimitado.
La unión de esta obra con la composición de la pared crean un entorno visual envolvente que transporta al espectador a un contexto onírico en el que puede sentirse flotando, habitando una dimensión de la siente formar parte. La magia de la unión de este suelo y la pared crean una propuesta única para este espacio que convierte el hall del hotel en una experiencia que trasciende la mezcla de arte, diseño de interiores y arquitectura. Un universo visual habitable que encierra significado y que establece un diálogo interior con el espectador.
HALL PRIMERA PLANTA
ARTE PARA SUELO
Esta gran obra visual que recubre el suelo del hall y mezcla las culturas africana y japonesa construye, a través de la distribución dispersa de platos con diferentes diseños étnicos que crean un caótico «camino» a través del cual se puede caminar, o saltar de uno a otro. Bajo este camino se percibe un «lago otoñal» sobre el que flotan flores y hojas marchitas.
Entre este lago y estos caminos de platos africanos nadan exóticos peces, algunos con reminiscencias a Japón, otros a África. Entre ellos destaca una gran carpa de tono anaranjado que se enreda entre los platos y las hojas.
ELEMENTOS SIMBÓLICOS DE LA COMPOSICIÓN
✒ Platos inspirados en África: Dispersos por toda la composición hay numerosos elementos circulares que se asemejan a platos decorativos tradicionales de las culturas africanas. Estos presentan una gran variedad de patrones y diseños, incluyendo:
✒ Formas geométricas como círculos, triángulos y cruces
✒ Patrones radiales que recuerdan a motivos solares
✒ Diseños abstractos de flores y plantas
✒ Formas de animales estilizadas
✒ Trabajo de líneas intrincado y patrones repetitivos
7. DESAFÍOS Y SOLUCIONES
La necesidad de crear una fusión con la arquitectura y el interiorismo de los espacios
Uno de los grandes desafíos del proyecto era el de trascender el objetivo de la creación de arte que tuviera un propósito decorativo. Era necesario que las obras visuales y el diseño de interiores recorrieran un mismo camino, escribieran la misma narrativa visual y expresaran un significado y «Storytelling» común. Además, debíamos tener en cuenta la arquitectura, llevada a cabo por el célebre arquitecto holandés Reinier de Graaf, y armonizar nuestra propuesta con la suya, para que los tres ángulos de este proyecto: arte, interiorismo y arquitectura, fueran hacia una misma dirección.
Significado y Storytelling. No es decoración, es arte que expresa un concepto.
Otro de los grandes desafíos de este proyecto fue el de trascender el tradicional objetivo del arte creado para hoteles: la decoración.
El concepto en el cual se basa la marca Nhow es el de crear hoteles que cuentan historias, hoteles que giran sobre una temática, que encierran un significado que el huésped puede (o no) descubrir recorriendo los diferentes espacios y prestando atención a los mensajes ocultos, los detalles, el significado subyacente en cada obra.
Uno de los desafíos del proyecto fue el de aportar un significado artísticamente relevante a las obras: desarrollar el concepto inicial sobre el cual gira el hotel, la mezcla de culturas del mundo, llevándolo hacia un plano de sofisticación, rico en matices, sutil en sus mensajes, susceptible de provocar diferentes lecturas.
Trabajar a contrarreloj. Generar creatividad con significado a la velocidad de la luz.
Los proyectos en los que se entremezclan muchos factores, en los que diferentes actores interactúan, como es el desarrollo de un gran hotel, suelen ser susceptibles de estar sujetos a vaivenes, giros de guion, cambios en las fechas de producción y en las entregas finales. Por eso, otro de los grandes desafíos de este proyecto fue el de ser capaz de trabajar con la rapidez y la flexibilidad suficiente como para abordar la creación de conceptos artísticos complejos, su materialización a través del desarrollo de las obras visuales y finalmente su adaptación a los contextos: desde la armonización con los diseños de interiores de cada espacio hasta el encaje en los diferentes contextos arquitectónicos, teniendo en cuenta que las diferentes partes del proyecto interactúan con el arte a lo largo del desarrollo y generan desafíos adicionales a la propia idiosincrasia de la creación artística basada en el concepto creativo inicial.
8. COLABORACIÓN CON EL EQUIPO DE INTERIORISMO
LA COLABORACIÓN CON GLG ARQUITECTOS
Este proyecto fué mi primera experiencia creando arte para NH Hotel Group (aactualmente parte de Minor Hotels). A diferencia de los siguientes proyectos, en los que comencé a trabajar de forma directa para la cadena hotelera como un proveedor externo.
Este primer trabajo fue llevado a cabo como colaborador del estudio de arquitectura de Madrid GLG Arquitectos, encargados del diseño de interiores del proyecto, que confió en mí para desarrollar todo el arte que se fusionaría con su propuesta de interiorismo y con la arquitectura del hotel (aún en construcción por aquél entonces).
No puedo tener más que palabras de profundo agradecimiento al equipo de GLG Arquitectos por haber confiado en mí para este proyecto, pero espcecialmente a Marc López, el arquitecto e interiorista con el que desarrollé la mayor parte de aspectos técnicos y creativos y con quien tuve la relación profesional más intensa.
Marc fue sin duda una ayuda crucial en el desarrollo de este proyecto: su profundo entendimiento de los requerimientos y objetivos, su capacidad para trasladármelos y comunicarse conmigo de forma clara y asertiva, su profesionalidad a la hora de llevar a cabo los procedimientos y estructurar un sistema de colaboración óptimo, pero, sobre todo, su incondicional apoyo a lo largo de todo el proceso creativo marcaron sin duda la diferencia a la hora de cómo viví la experiencia y del propio éxito de los resultados de la misma.
Todo camino comienza con un primer paso. Toda aventura profesional comienza con un primer gran proyecto. En este caso, esta fue mi primera oportunidad para demostrar mi valía en este sector tan complejo y peculiar.
Sin GLG Arquitectos, pero, especialmente, si la ayuda de Marc, esta primera experiencia hubiera sido mucho más difícil de llevar a cabo.
ARTE FUSIONADO CON INTERIORISMO
Fusionar mis obras de arte con el diseño de interiores desarrollado por GLG Arquitectos fue un reto. El trabajo creativo debía ser bidireccional: yo debía tener en cuenta su propuesta creativa para cada espacio en cuanto al interiorismo, y ellos debían contar con la idiosincrasia de cada una de mis obras para que su propuesta estuviera en armonía con cada pieza artística.
La coherencia debía incluir la dimensión cromática pero también estilística. La selección, no solo del mobiliario y complementos, sino de accesorios y detalles únicos que otros hoteles no incorporan habitualmente pero que sí debían formar parte de la idiosincrasia de Nhow crearon una colaboración que trascendía el bonomio arte-interiorismo. Todo era parte de un mismo storytelling, todo tenía un sentido, todo iba dirigido hacia un concepto que superaba los límites de la decoración.
Las incorporaciones de elementos únicos en el interiorismo de habitaciones y áreas públicas han sido una parte crucial a la hora de crear esa fusión tan especial y poco habitual entre el arte y el espacio en el que este se enmarca.
Las características conceptuales de mis obras de arte para este proyecto: el surrealismo, el arte pop, el arte urbano y el arte kitsch, están presentes en el diseño de interiores a través de cada objeto, cada decisión, cada elemento. Arte e interiorismo se unieron para luchar por un objetivo común: desarrollar una narrativa que ofreciera al visitante la experiencia de vivir un storytelling que encierra un profundo y complejo significado.
9. MONTAJE SOBRE ESPACIOS ARQUITECTÓNICOS
Cuando se fusiona arte disruptico con un diseño de interiores extraordinariamente rico en matices y una arquitectura fuera de lo común, la fase de montaje supone un reto técnico.
Cada una de las obras de arte del hotel ha sido impresa y montada sobre una superficie única, consiguiendo de esta manera que no sólo el significado y concepto de cada arte sea único, sino también el contexto material sobre el que se muestra.
✏ ARTE PARA HABITACIONES:
Cabeceros impresos sobre tela y patrones impresos sobre Wallpaper
✏ ARTE PARA COLUMNA DE HALL DE ENTRADA
Arte creado digitalmente, proyectado con luz sobre la columna y pintado con pinceles a partir de la proyección.
✏ MANDALA EN EL SUELO DEL HALL DE ENTRADA
Impreso bajo una capa de resina transparente protectora.
✏ ARTE PARA SUELO DE LA PRIMERA PLANTA
Impreso bajo una capa de resina transparente protectora.
✏ ARTE PARA MURO DE LA PRIMERA PLANTA
Arte creado digitalmente, proyectado con luz sobre la columna y pintado con pinceles a partir de la proyección.
✏ ARTE PARA SUELO DE HALL
Impreso bajo una capa de resina transparente protectora.
✏ ARTE PARA MURO DE MOANA BAR
Arte creado digitalmente, proyectado con luz sobre la columna y pintado con pinceles a partir de la proyección.
✏ ARTE PARA BREAKFAST AREA
Impreso sobre gran superficie de tela montada en una estructura curvada
10. ATENCIÓN DE MEDIOS Y FOTÓGRAFOS
Aunque ya he definido cómo el objetivo conceptual del proyecto era elaborar una visión única de la mezcla de culturas del mundo, en este área profundizaré sobre el concepto del proyecto desde un plano puramente artístico. Ya he mencionado que uno de los objetivos visuales de este proyecto era alinear mi arte con el ADN disruptivo e irreverente de la marca Nhow, no obstante, la base sobre la que se sustenta Nhow es la idea de que cada hotel debe ser completamente único, con una personalidad propia tan distintiva que no tenga ningún elemento en común con el resto de los hoteles de la cadena.
Partiendo de la premisa anterior, tuve la oportunidad de desarrollar mi arte gozando de una amplia libertad artística, pudiendo adentrarme en terrenos creativos arriesgados, llevando el concepto inicial hacia interpretaciones transgresoras y, en definitiva, desarrollando una visión “out of the box” que evoluciona a través de cada una de las obras que van vistiendo los espacios arquitectónicos del hotel.
PRESENCIA EN LOS MEDIOS
EL ARTE DE NHOW AMSTERDAM RAI HOTEL COMO ESCENARIO DE REPORTAJES DE MODA
El arte disruptivo del hotel se ha fusionado con la moda en Photoshoots de reconocidas fotógrafas holandesas:
11. RESULTADOS Y BENEFICIOS
Aunque ya he definido cómo el objetivo conceptual del proyecto era elaborar una visión única de la mezcla de culturas del mundo, en este área profundizaré sobre el concepto del proyecto desde un plano puramente artístico. Ya he mencionado que uno de los objetivos visuales de este proyecto era alinear mi arte con el ADN disruptivo e irreverente de la marca Nhow, no obstante, la base sobre la que se sustenta Nhow es la idea de que cada hotel debe ser completamente único, con una personalidad propia tan distintiva que no tenga ningún elemento en común con el resto de los hoteles de la cadena.
Partiendo de la premisa anterior, tuve la oportunidad de desarrollar mi arte gozando de una amplia libertad artística, pudiendo adentrarme en terrenos creativos arriesgados, llevando el concepto inicial hacia interpretaciones transgresoras y, en definitiva, desarrollando una visión “out of the box” que evoluciona a través de cada una de las obras que van vistiendo los espacios arquitectónicos del hotel.
12. ACOGIDA DE HUÉSPEDES Y VISITANTES
La acogida de huéspedes y visitantes ha sido un gran éxito. La propuesta disruptiva de Nhow Amsterdam Rai genera sorpresa, impacto y emociones, y esto se traslada al feedback de quienes se alojan en el hotel compartiendo su experiencia en las redes sociales. Desde Influencers a personas anónimas, la relación entre huésped y arte está presente en multitud de imágenes y vídeos en los que usa como contexto la creatividad en habitaciones y áreas públicas para generar escenas con imaginación, acción y expresividad visual propia. Es como si cada huésped que comparte su experiencia, reinterpretara una de las obra añadiendo su propio matiz al storytelling y convirtiendose en protagonista del mismo junto al personaje o personajes del arte sobre el que aparece.
Cuando se crea arte fusionado con interiorismo como experiencia inmersiva, el hecho de comprobar que los visitantes son capaces, no solo de vivir la historia que se les está contando a través del arte, sino de extenderla con su propia imaginación, de enriquecerla y formar parte de ella ineractuando como personajes con cada obra, significa que el objetivo final ha sido cumplido: crear una fantasía visual en la que el visitante logre transgredir los límites de la simple contemplación e interactúe con ella. Ficción y realidad unidas a través de arte, interiorismo y arquitectura. Obras de arte en las que se puede vivir durante unos días. Esta es la magia de este proyecto y así lo demuestran las personas que comparten en las redes sociales su percepción y sensaciones.